Otium #4

IAC Villeurbanne - Auvergne - Rhône-Alpes

29.05 - 11.08.2019

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Communiqué de presse

L’IAC place la recherche au coeur de ses activités et se définit ponctuellement comme lieu de l’otium, un laps de temps intermédiaire propice à la réflexion, à la méditation, à la prise de conscience. A la belle saison, les jardins, comme les espaces intérieurs, sont alors ouverts pour suggérer un autre espace-temps. Il est question de peau, de temps ralenti, de relation(s) avec l'environnement concret, d'attention et de soin.

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Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.

Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…

Otium #4, édtion 2019 de la programmation, réunit les expositions personnelles de trois artistes d’une même génération et de trois continents : Leone Contini, Maria Laet et Kate Newby. Leurs gestes simples et mesurés partagent le désir d’initier d’autres modes d’être. Ils proposent un recentrement, un souffle, le plus souvent en relation avec la terre, entre germination, collecte et réparation. Dans ce temps ralenti, Leone Contini, Maria Laet et Kate Newby oeuvrent à initier ou rétablir des liens entre les humains et les choses, souvent les plus ordinaires, que l’on ne regarde plus ou que l’on ne peut pas voir. Leur pratique est synonyme d’organicité et d’inframince. Interprétées de façon cosmomorphe*, ces trois expositions proposent des oeuvres qui, tels des cosmo-gestes, conduisent à la transformation de notre rapport au monde.

LEONE CONTINI
Leone Contini, artiste toscan anthropologue, mêle entre action artistique et recherche des performances-lectures, interventions collectives, textes, dessins, vidéos et collaborations sur le long terme avec les territoires sur lesquels il intervient, en prise directe avec un contexte historique et social donné. Les conflits interculturels, les flux migratoires et leurs effets sur le paysage anthropologique et végétal sont au coeur de sa réflexion. C'est un cultivateur de l’ère post-anthropocène qui sème, récolte, diffuse des graines et des plantes qui sont pour lui des outils d’exploration des questions de déplacement, d’hybridation, d’enrichissement entre cultures autochtones et allochtones mais aussi des symboles de partage, de solidarité et d’échange entre différents groupes.
Son projet pour l’IAC s’oriente sur deux axes : d’une part, sa rencontre avec les membres d’une importante communaué italienne, originaire de la ville de Roccasecca, installée à Villeurbanne la suite de la grande vague migratoire italienne du début du XXe siècle.
Par ailleurs, l’artiste réalise des semis de graines de diverses provenances, notamment des graines de baobab qui sont plantées à l’intérieur et à l’extérieur de lIAC, comme pour laisser, à terme, la nature reprendre sa place, voire déloger toute activité humaine et urbaine.

MARIA LAET
Installée à Rio de Janeiro, Maria Laet constitue par sédimentation un univers sensible qui mêle le geste humain, simple et précis, aux matériaux organiques et à leur surface. Elle teste les propriétés physiques et symboliques de matériaux, souvent fluides et volatils, tels le sable, le lait, l’encre ou le souffle. Ces matériaux font écho à l’écoulement du temps et ont la malléabilité nécessaire pour accompagner les formes du réel. Maria Laet s’intéresse davantage à leur présence qu’à leur potentielle transformation par sa main. Avec la pratique du souffle, elle permet que le processus ne soit pas complètement maîtrisé, laissant place à l’imprévisibilité.
Son écnomie de moyens mène ses performances vers le ralenti, incite à prendre conscience de ce qui habituellement nous échappe. Intimistes et proches du rituel, celles-ci se concentrent sur ce qui reste à l’empreinte, la trace après le geste, le silence après le souffle. Il s'agit parfois d'actes de soin, de réparation, quand l’artiste remplit des fissures au sol avec du lait ou recoud la terre avec du fil et une aiguille. La couture est une manière de lier les éléments et leur surface. La notion de peau, comme transmetteur de ses intentions, est primordiale dans le travail de Maria Laet. La peau sépare et connecte à la fois. Associée à la respiration, au souffle, et au toucher, elle est comme un lieu de rencontre et d’interaction, et permet à l’artiste de relier l’intérieur et l’extérieur. De la terre à la lumière, en passant par le souffle, le travail de Maria Laet exprime la prise de conscience d’un tout vivant homogène, au sein duquel la nature et l’humain sont des parties dont la coexistence est essentielle.

KATE NEWBY
Kate Newby, artiste néo-zélandaise installée à New York, porte son attention, également pour ralentir le temps, sur les menus objets de notre environnement quotidien, pour apprécier la valeur d’un moment ou d’un détail. Des matériaux et gestes simples, des situations éphémères impliquent souvent son propre corps. C’est après avoir scruté intensément l’espace et toutes ses composantes que Kate Newby conçoit ces environnements, qu'elle déploie dans l’espace avec précision et sensibilité. Son travail se fond en effet dans le lieu de leur réalisation. Il faut accepter la possibilité de ne pas le voir, à moins de s’engager activement dans l’espace. On peut alors accéder à de micro-révélations et éprouver la cohésion que l’artiste tisse entre le lieu et l’oeuvre.
A l’IAC, Kate Newby trouble la frontière entre l’intérieur et l’extérieur, les renvoie l’un à l’autre par différents procédés, comme une ligne de tuiles ou un fil d’or et d’argent. Son oeuvre, à la fois aérienne et ancrée, invite à se détacher d’elle-même pour tourner son attention vers l’extérieur. Une double impression, de permanence par son adhérence au lieu qui l’accueille et qu’elle délimite, est contredite aussitôt par une sensation d’éphémère que procurent ses interventions en extérieur. Les changements de luminosité, les variations météorologiques sont alors signifiées comme faisant partie intégrante de l’oeuvre, affectée par ces fluctuations. L’oeuvre de Kate Newby devient un outil pour réaliser tout ce qui peut être vu et ressenti, elle est l’environnement lui-même.

*Alternative au schéma anthropomorphe qui marque notre civilisation moderne occidentale, la pensée cosmomorphe se représente le monde comme relation, en dehors de toute dichotomie et catégorie. Introduite par l‘anthropologue Maurice Leenhardt et réactivée par le philosophe Pierre Montebello, elle se fonde sur la coactivité qui mobilise chacun des acteurs du cosmos, en décentrant et en élargissant notre perception. Un monde cosmomorphe est conduit par un processus en mouvement continu dont chaque terme est inséparable. Il entrelace ainsi l’omme à la multiplicié des êtres qui le composent, leur redonne la parole et repositionne l’humain comme acteur solidaire du milieu dans lequel il vit.

Exposition du 29 mai au 11 août 2019. Institut d'art contemporain, 11 rue Docteur Dolard - 69100 Villeurbanne. Tél .: +33 (0)4 78 03 47 00. Ouverture du mercredi au vendredi de 14h ・18h, samedi et dimanche de 13h ・19h.