Archives expositions collectives 2021

Exposition du 13 juin au 05 septembre 2021. Centre international d’art et du paysage - Île de Vassivière - 87120 Beaumont-du-Lac. Tél. : +33 (0)5 55 69 27 27. Ouverture en juillet - août tous les jours de 11h à 13h et de 14h à 18h. En septembre week-end et jours fériés de 11h à 13h et de 14h à 18h, du mardi au vendredi de 14h à 18h.



 

 





  







































Le texte de Flora Katz, commissaire de l’exposition

« Il n’est pas toujours facile d’envisager la terre comme un être vivant*1 : de percevoir ses mouvements très lents ou trop rapides, de comprendre ses cycles avec ses relations de cause à effet souvent lointaines. La vie à elle-même cherche la vitalité de la matière, ses rythmes fugitifs, ses transformations sourdes. Au lieu de proposer des œuvres fixes qui sont objets du regard humain, ce sont les mouvements en chaîne qui sont recherchés. Pour cela les artistes invité.e.s mettent en résonance des matériaux comme l’intelligence artificielle, une souche d’arbre, de la kombucha, de l’eau, de l’osier, des cristaux de sel, des micro algues. À travers des installations narratives ou des formes abstraites, les œuvres composent des formes dynamiques prises dans des chaînes de réactions. Peu à peu, les œuvres se détachent de leur état premier et changent : un bassin creusé dans un canapé se cristallise sous l’action du sel (Bianca Bondi), une peau se forme sur un bassin noir (Tiphaine Calmettes), un liquide s’écoule d’une céramique (Isabelle Andriessen), un film se modifie par la vie d’une souche d’arbre (Grégory Chatonsky), des cyanobactéries prolifèrent (Laure Vigna). Comme les œuvres sont réactives, l’idée est qu’elles se rencontrent, s’allient ou se parasitent. Elles peuvent aussi jouer avec le bâtiment et l’extérieur. Ce qui compte est de laisser les œuvres se développer, de les abandonner presque, pour laisser émerger des formes possibles. Elles seront visibles quelque temps après le début de l’exposition.

Du parasite à l’œuvre sensible

L’exposition La vie à elle-même a été pensée avant la pandémie de la Covid-19. Lors de nos premiers échanges en novembre 2019, nous avions parlé de la manière dont les œuvres pourraient se parasiter les unes les autres, et le bâtiment. Le livre de Michel Serres Le Parasite (1980) fut un point d’entrée : le philosophe explique que le parasite n’est jamais invité dans un lieu, mais qu’il arrive toujours à pénétrer, et pas nécessairement par la porte. Il est difficile de l’attraper parce qu’il se transforme constamment, inversant même parfois son rôle avec celui d’hôte. Le parasite n’est pas vraiment une substance fixe, mais plutôt un ‘être en relation’. Il nous force à penser les choses non plus comme des objets, mais comme des sites toujours changeants, dépendant de leurs interactions. Michel Serres a beaucoup réfléchi à la manière dont on pouvait penser le changement climatique. Une des étapes était de considérer les choses non plus comme fixes, mais comme fugitives et parasitaires, en constante transformation.

Depuis la pandémie, l’exposition a été repoussée deux fois : elle devait avoir lieu à l’été 2020, puis en mars 2021. Au fur et à mesure, nous nous sommes détaché.e.s de l’image du parasite, peut-être trop proche du temps présent. L’idée d’une œuvre sensible est apparue intéressante : puisque les œuvres vont réagir les unes aux autres, on pourrait dire qu’elles seront sensibles. Les œuvres perçoivent l’humidité, le mouvement d’autres êtres, les variations de lumière. Elles peuvent grandir, se dégrader, s’allier avec d’autres, muter. Au lieu d’être un ensemble fixe à regarder, l’exposition pourrait s’envisager comme un ensemble d’êtres sensibles. Il s’agit alors moins de se demander comment apprécier l’œuvre, juger de ses qualités plastiques, que de s’interroger sur ce qu’elle est, et ce qu’elle devient.

Proposer une œuvre ou une exposition sensible, ce serait rendre les capacités esthétiques à l’œuvre elle-même, et sortir du schéma classique d’un sujet regardant un objet. L’œuvre sensible n’aurait alors plus besoin d’être regardée, elle se développerait en lien avec son milieu, avec ou sans nous, les humains. Envisager l’exposition, ou une œuvre comme sensible est une manière de répondre au problème de l’anthropocène : si le changement climatique demande à l’humain de se décentrer pour mieux écouter la terre, alors il lui faut trouver une autre manière de la regarder. Ne plus considérer la terre comme une ressource, mais comme un être sensible en relation avec d’autres êtres, et dont les réactions sont parfois imperceptibles mais ont des conséquences importantes. En second lieu, l’œuvre sensible peut être produite par des liens avec d’autres vivants : elle a cette capacité de générer des formes qui n’ont pas été prédites par l’artiste qui l’a initialement conçue. En relation avec son lieu et d’autres êtres, elle se transforme, et ouvre des possibles que l’action du temps fait apparaître. »

*1 La terre comme être vivant est un postulat du scientifique James Lovelock. James LOVELOCK, La terre est un être vivant, l’hypothèse Gaïa, 1979, Paris : Editions du Rocher, 1986 (traduction française).

Isabelle Andriessen s’attache à étudier les moyens d’animer physiquement les matériaux inanimés (synthétiques) afin de leur fournir leur propre métabolisme, comportement et action. Ses sculptures sont des personnages actifs qui habitent l’espace liminal entre sculpture et performance. Ils deviennent persistants et contagieux ; ils refusent de rester fixes et s’étendent, deviennent des transmetteurs étranges, composés de matériaux qui agissent et évoluent, apparemment hors de contrôle, et souvent irréversiblement.

Multidisciplinaire, la pratique de Bianca Bondi est avant tout centrée sur l’idée de processus. Elle choisit ses matériaux pour leurs propriétés intrinsèques ou leur potentiel de transformation au cours du temps. Inspiré par les sciences occultes, son processus de travail peut être comparé à une pratique rituelle ou à une alchimie instinctive. En favorisant des mutations possibles entre les éléments qui constituent ses pièces, elle en fait les acteurs de lentes performances, à la fois sur des échelles macro et microscopique. L’artiste relie ces rencontres organiques à des situations actuelles ou à l’histoire des lieux en question, et soutient un discours écologique en tentant de nous rapprocher de l’intangible.

Le travail de Dora Budor s’adapte à l’architecture et aux environnements existants qu'elle s'approprie à travers le son, la sculpture et l’installation. S'ensuit une interdépendance de sens entre l’œuvre et son hôte, dans laquelle les caractéristiques du contexte sont amplifiées ou réactivées.

Incluant du béton, de la terre, de la mousse et du lichen, mais aussi des empreintes de plantes et d’animaux, les œuvres évolutives de Tiphaine Calmettes activent les récits qui informent notre rapport au monde. Sous la forme de « narrations comestibles », ses objets et ses récits prennent vie en revisitant le partage, la convivialité, à travers les saveurs et les rencontres.

Depuis le milieu des années 90, et la création d’Incident.net, Grégory Chatonsky travaille sur le Web et sur son affectivité. À partir de 2001, il commence une longue série sur la dislocation, l’esthétique des ruines et l’extinction comme phénomène inextricablement artificiel et naturel, imaginaire et matériel. Au fil des années, il s’est tourné vers la capacité des machines à produire de façon quasi autonome des résultats qui ressemblent à une production humaine ou qui en diffèrent. Ces différents fils sont devenus convergents grâce à l’imagination artificielle.

Les sculptures de Rochelle Goldberg sont structurées par la logique de l’introaction – terme qui désigne un ensemble de relations dans lequel la frontière entre une entité et une autre est continuellement minée. Dans le travail de l'artiste, l’introaction opère tant au niveau de la forme que du contenu.

Enfin, dans sa pratique de la sculpture, Laure Vigna interroge les états de transformation et les formes intermédiaires. Elle s’intéresse à l’expérience de la matière comme moyen de repenser les processus de production dans une relation éthique et écologique.






La vie à elle-même, CIAP Ile de Vassivière

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La vie à elle-même

Centre international d’art et du paysage, Île de Vassivière

13.06 - 05.09.2021






 







 




 

 












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Communiqué de presse


Le Centre international d’art et du paysage présente du 13 juin au 5 septembre sur l'île de Vassivière l'exposition La vie à elle-même, une exposition appelée à évoluer au fil du temps. Les œuvres produites spécifiquement pour le projet sont en effet conçues pour réagir et se transformer, en lien avec la vie du site. Dotées de sensibilité, elles composent ensemble un organisme fantomatique qui va s’animer au rythme de l’île et de ses habitant.e.s.




 








 






 





 



 



 


 





 









 





































































 













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Gilles Aillaud

Important



Marika Prévosto

À

sandie hatem

jul 1 à 2h10 PM

Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.























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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…